Qualcuno con cui scrivere

La precarizzazione dell’ascoltatore o dello spettatore è a mio avviso quel risultato pratico ed emotivo per cui l’orizzonte di scelta del consumo culturale –costruito da una percepita infinità di scelta disposta ad un’altezza economica non raggiungibile per soddisfare il desiderio vero e presunto, autentico e artificiale del consumo stesso, in una doppia posizione orwelliana– che immobilizza il consumo culturale negandogli l’orizzontalità della scelta o della sua possibilità.

Si diventa così desiderosi di qualcosa che non sappiamo scegliere e che non possiamo permetterci di esaudire nella costante spinta a riformare sé stesso. È un desiderio inestinguibile ed è, come ogni desiderio impossibile, un’assenza che ci fa sentire in colpa provandola e non potendola colmare. Ci sentiamo colpevoli d’avere coscienza consumistica –accettandola come prodromo del desiderio del prodotto, giustificandoci nella ricerca dell’incredulità edonista– e non ne tolleriamo la finalità analitica –ammanettati ad un principio di non-scelta, per limiti strutturali, in opposizione all’offerta bulimica del capitale.

La contrazione della spesa in conseguenza di un impoverimento economico aumenta la percezione di questa precarizzazione culturale, anche in virtù dell’immersione costante che viviamo in questa ennesima fase di posmodernismo in cui non c’è una chiara distinzione tra l’arte per l’arte e il prodotto finanziario che la contiene. Se il valore sociale e morale era deducibile e scindibile dal valore economico, ora il valore sociale e morale è una metrica che indicizza la distribuzione e il valore economico, esattamente quanto –se non oltre– la sua assenza.

Decidere di spendere per qualcosa che riteniamo essere “di valore” diventa un atto di forza nel disorientamento che si percepisce nella neo-lingua promozionale (“impredibile”, “necessario”, “stupefacente”, etc.). Questa forza richiede un exploit di energie –emotive, per l’imposizione della scelta ed economiche, per la sostenibilità personale– che rinforza nell’ascoltatore o nel pubblico (in definitiva, senza altri mezzi termini, nel consumatore culturale) un sentimento di inefficacia, causando così l’opposto di ciò che pensiamo sia utile alla vendita (i valori): se non è possibile effettuare una scelta e l’agirla è un enorme investimento, useremo guardare al prodotto culturale come a un disvalore, cercando rifugio altrove.

1.
AI vs non-AI: macroscopicamente si può dire non faccia grande differenza, l’importante è la finalità di raccolta adesioni. Nello specifico caso la creator Pal amat.international -in un reel di ieri- suggerisce di utilizzare materiale foto\video proveniente dai territori perché ci sono persone (giornalisti o no, ricordando che oltre cento giornalisti son ostati uccisi da IRF) che rischiano la vita per documentare le atrocità ed è importante non rimuovere la cronaca. Sottolinea anche che se il contenuto è troppo esplicito o violento si possa lavorare sulla condivisione del pensiero in forma scritta (cronaca fattuale o emotiva che sia). Quest’ultima è una opzione interessante per la finalità universalizzante del messaggio: sgombera dall’equivoco di rappresentare quei luoghi come pacificati, sostituendo graficamente il male con un immaginario estetico falsato. I.E.: la bandiera Pal come sfondo e la scritta “All eyes on Rafah” -> la bandiera di uno stato non riconosciuto come sineddoche della storia del popolo che rappresenta.

2.
Universalismo vs elitismo: Le critiche bollate di etilismo credo si dividano in due generi. Da una parte chi cerca di problematizzare il messaggio per indagarne il funzionamento e le criticità (attività tediosa, ma imho fa parte della dialettica) e chi fa gatekeeping. Evitare di ridurre all’osso l’analisi -come ho fatto io- aiuta chi legge ad uscire dall’equivoco per cui la comprensione di un processo è sovrapponibile al giudizio delle persone coinvolte, chiarisce la posizione universalista e smarca la distorsione che genera il suo succedaneo populista: la pratica di selezione all’ingresso della lotta, male endemico di ogni quadro interpretativo e che -questo sì- si basa sul giudizio di merito verso le persone che producono un’azione (materiale o intellettuale che sia). Se si vuole dire o fare qualcosa pro-argomentosuperbello bisogna essere liberi di farlo, senza attività censoria di chi distribuisce il patentino di bravo compagno (sapendo che ci son quelli con gli occhiali di cui al punto 3).

3.
Intellettualismo vs populismo: in molti contenuti ho letto l’uso dispregiativo del termine “intellettuale” e devo dire che la cosa è spiacevole. Non possiamo pensare che da sinistra si guardi al mondo criticando quello che una volta era chiamato “pensiero unico” per poi sovrapporgli l’imposizione della stessa logica, per arrivare ad un fine, purché funzioni. Stare nella dialettica e sfruttare l’eterogenesi dei fini, questa è una risorsa per opporsi al deserto di pensiero che avanza e che normalizza la guerra, il liberismo, le xenofobie, etc. Rifiutare la complessità è una cosa di destra, il gatekeeping è una cosa di destra. Messa così forse suona più chiara. Spaccare i capello in quattro è un’attività antipatica, per qualcuno molto divertente, e se ci allontaniamo di un passo scopriamo che persino Marx spaccava il capello in quattro (il capitale sono 3 tomi da 1000+ pagine l’uno). Ognuno faccia quello che può fare secondo le proprie possibilità, uniti nella lotta.

4.
Occasionali vs RosaLuxemburg: è difficile dire cosa resterà di questa ondata di ricondivisioni. Qualcuno posta i google trend, qualcuno cita lo slacktivism, qualcuno ha la sfera di cristallo e non ce lo dice. I percorsi di costruzione del senso e di una comunità sono enormi, anche lenti, di sicuro complicatissimi e hanno bisogno delle storielle un po’ grafiche e un po’ no, così come dei saggi scritti difficili che leggono cinque persone. Quello che fa la differenza è la continuità, da parte della comunità che sostiene un dato tema, nel continuare a produrre senso. La story “All eyes on Rafah” nella suo essere criticabile cattura, ma quali sono le attività che prolungheranno e creeranno affezione al tema per chi si è imbattuto la prima volta in questo racconto? Le molteplicità di cui sopra: avere la possibilità di consumare informazioni rapide come complesse, senza gatekeeping o populismo.

Il picco di Google trends è un sintomo, ma è un sintomo che produce trasformazione nel reale? Bibi cosa ne pensa? Quanti morti oggi dopo le 40 milioni di ricondivisioni? Quali sono le strategie da adottare? Abbiamo bisogno di una voce unica? Il leaderismo? Uno slogan? 40 milioni di slogan?

Convergere, come dice GKN. Convergere, convergere, convergere. Prendere le analisi e i libri noiosi e convergere. Prendere l’entusiasmo scatenato da una immagine AI e convergere. Prendere il portafogli in mano e aiutare chi aiuta professionalmente, secondo le proprie possibilità. Tirare per la giacchetta i politici, costruire identità politiche collettive, lanciare una m****** perché adesso basta, ci siamo stufati. Convergere. Uscire di casa, occupare le piazze, fare le accampate, produrre senso. Convergere.

Alcuni giorni fa Italian Review ha pubblicato una mia riflessione sullo stato del lavoro culturale nella musica, lo trovate qui. Provo ad espandere alcune considerazioni legate perlopiù alla vita dell’artista.

A fine aprile The Guardian ha pubblicato un articolo che indaga la non sostenibilità economica della vita artistica nel mondo musicale: il rapporto tra costi e incassi, analizzando i tour di alcuni artisti medio-piccoli, è sconfortante. Budget che vengono chiusi con perdite da qualche centinaio ad alcune migliaia di Pounds e act che si domandano se abbia senso continuare o meno l’attività artistica. Persino chi vince premi e si imbarca in tour mondiali, senza essere Taylor Swift, chiude in passivo mentre viene detto loro che “è normale”. Chiaramente non dovrebbe esserlo.

In Italia il lavoro nella musica dal vivo non è molto distante da queste analisi. Da anni si ripete l’adagio per cui la principale fonte di reddito dell’artista sarebbero i concerti, ma quali concerti? Per quali artisti?
Senza prosciugare le tasche dei promoter e del pubblico, un tour di 7/8 mesi con la mia band è sufficiente a coprire una finestra economica ampia poco più del tour stesso. Siamo i principali datori di lavoro che conosca: paghiamo agenzia, management, crew, noleggi, spese di tour, amministrazione ed infine noi stessi (con una tassazione irreale del 37%, grazie welfare state). Riusciamo a camparci perché abbiamo avuto fortuna e capacità nel costruire una carriera di oltre dieci anni, ma chiuso un tour iniziano altre attività lavorative. A me va bene, non sono interessato ai soldi delle major: so che mettermi in tasca un enorme anticipo fotterà definitivamente il sistema di produzione culturale.
Cosa che già succede, sistematicamente: l’aumento spropositato del costo dei biglietti dei concerti è una curva escludente. Seconde o terze generazioni di migranti, classe lavoratrice, fasce di pubblico deboli economicamente vengono tagliate fuori dal consumo culturale della musica. L’assenza di “ricambio generazionale” o di allargamento della platea d’età passa anche tra queste valutazioni.

Più sarà alto il vostro biglietto, più il vostro pubblico sarà vecchio.
Il consumo della musica nella famosa fascia 16-24 è un consumo digitale, se vi guardate attorno ad un qualsiasi concerto capirete quanto la demografia sia sbilanciata over35.

La retorica del grande evento (sia concerto di artista singolo o festival) è l’unica che il mass market recepisce e consuma, decretando la progressiva chiusura per assenza di pubblico di venue sotto le 500 persone di capienza e la sempre più alta soglia di realizzo per tutti quegli artisti che chiamiamo emergenti, ma che sono di fatto la maggioranza numerica e la minoranza economica.
La forbice tra il vincitore che prende tutto e “ciò che resta” è sempre più grande.
Le persone sono sempre più interessate a ciò che sembra essere imperdibile rispetto alla costruzione di un pacchetto di passioni da seguire attivamente.

Una responsabilità di questa deriva è anche in casa mia. Nel quinquennio che va dal 2017/2018 a circa il 2023 tutto quello che era il mondo delle etichette indipendenti è diventato il bacino di pesca delle major che, valigetta in mano, sono arrivate alla carica e che il c.d. mondo indipendente non ha esitato ad accogliere a braccia aperte. Accoglienza che, vista solo da un profilo economico, poteva essere di grande utilità, ma che poi ha prodotto un disinteresse parziale o totale per lo scouting e la ricerca di nuovi artisti da pubblicare, disinvestendo sul modello (fragile, ma consolidato) della costruzione di alternativa ad un mercato discografico legato alle sole logiche di profitto e visibilità.
La stragrande maggioranza di quelle che prima erano etichette indipendenti impegnate nella costruzione di un discorso pubblico, la creazione di immaginario e l’emersione di un senso artistico, si sono trasformate in management e, per statuto e missione dell’attività di management, si è passati a seguire e promuovere la crescita (continua, costante, obbligata, capitalistica) di ciò che già si aveva in casa.

Ciò che prima era filosoficamente alternativo è stato sussunto e si è trasformato in attore del mercato.
L’agency dell’indipendente è andata dissolvendosi.

Della distribuzione digitale e del suo ruolo in questo cambio di paradigma ho già detto nell’articolo per Italian Review: le possibilità di emergere in una logica distributiva che utilizza la musica come strumento finanziario sono pari a zero.
In accoppiamento a questo c’è anche il ruolo della promozione attraverso i social network, che sono a loro volta dei gatekeeper in cui speriamo di vincere la lotteria e di ottenere un post virale. O paghiamo sperando che questo succeda. Ogni piattaforma parla solo a sé stessa, eccetera, eccetera. Anche in questo caso la frammentazione totale e l’impossibilità di costruire un discorso ad una platea disomogenea ma larga –come succedeva con i media del ‘900– ha portato a veicolare l’attenzione verso ciò che già funziona, nel binario di quanto detto prima dei management, ma questa volta dal fronte dell’utenza.

All’interno di queste analisi esistono mosche bianche, eccezioni, appassionate e appassionati che si muovono autonomamente, ma che a loro volta combattono contro questo infinito frazionamento e questa infinita capitalizzazione della musica. Perché, e questa è una pura speculazione nichilista, se fino a 10 anni fa potevo pensare che c’era posto anche per Lo Stato Sociale dove già sedevano altri artisti, adesso, seguendo queste logiche, dovrei combattere perché nessun altro si sieda al tavolo: in un mercato puramente concorrenziale come quello che si è venuto a creare (e che abbiamo corroborato) l’emersione del nuovo è l’erosione di ciò che è già mio.

Non dedicherò più di una frase invece alla folta e nutrita schiera di artisti e artiste che riempiendosi la bocca di parole come “diritti” sono testimonial di brand che affamano e desertificano il mondo, che spingono sempre più in alto l’asticella del capitale e della disuguaglianza (un pensiero a quell’artista che dopo l’elezione di Giorgia Meloni scrisse “Ora inizia la resistenza” e poche ore dopo pubblicò un adv per un noto bran di moda: LOL).
Dieci, cento, mille volte meglio l’influencer di borgata che pubblica un libro o il comico cringe pure un po’ di destra, almeno giocano con il proprio culo, ma la trasformazione in vetrina di persone che poi cercano di spiegarci come il mondo sia ingiusto è davvero l’ultimo sintomo di una svendita completa del lavoro nella musica.

Kevin Kelly di The Technium, molto tempo fa, ha scritto un bellissimo e illuminante articolo intitolato 1000 true fans. Leggetelo, ma intanto lo riassumo rozzamente: in un’ottica di produzione indipendente è sufficiente (e preferibile) avere 1000 persone che ti seguono davvero rispetto ad ambire alle decine di centinaia di migliaia o di milioni.

In una produzione culturale in mano a colossi finanziari ciò che resta per l’artista è sempre più piccolo. Spesso mi chiedo: che senso ha cedere una fetta dei miei diritti sulla mia stessa musica (dunque sul mio lavoro) a fronte di un incasso molto basso al netto di tutte le suddivisioni e le tassazioni che questa somma deve affrontare? E questa cessione vedrà poi un reale investimento da parte della major o sarà solo un modo per rimpolpare un catalogo e avere dunque maggior potere di trattativa con la distribuzione per poter agire meglio le proprie strategie sugli artisti di punta? E le c.d. royalties sono realmente commisurate, nel lungo periodo, al valore che riconosco al mio ingegno che è stata la scintilla a mettere in moto tutta questa faccenda?

Ad ognuno la propria risposta, ma riportare all’interno della propria persona (o della propria band) il percorso produttivo permette di guardare con più agio a quanto scrive Kelly e di utilizzare –qualora se ne presenti l’occasione– il mondo major solo ex-post pubblicazione o organizzazione dei tour, senza mai cedere definitivamente, ma facendo leva sui risultati ottenuti in autonomia. Possiamo pensare di garantirci un buon profitto dalla nostra arte se e solo se rimaniamo noi i primi sfruttatori economici della vendita della nostra stessa arte. Sempre che la si voglia vendere, s’intende.

L’aver preso per scontato e necessario il percorso di produzione massificato, interpretandolo con le regole suggerite dalle corporate mondiali, non ha solo messo in crisi la filiera produttiva (che sembra sempre qualcosa di qualcun altro, mentre è il nostro lavoro), ma ha eroso larghissima parte dello spazio di manovra entro cui poter puntellare la propria autonomia, rimanendo padroni di ciò che si produce e, come suggeriva Marx, dei mezzi di produzione.

Ci sono molti modi per farlo, magari ci penso un altro e po’ e poi ve ne parlo.

Una breve riflessione legata all’organizzarsi, Zerocalcare e la Palestina

Ho guardato con un mix di sollievo e rabbia l’uscita di Zerocalcare dalle mura del salone per rimettersi in mezzo alle persone che manifestavano. Quando L’Espresso titolò forzosamente “l’ultimo intellettuale” fece un torto (piccolo) a Michele Rech e uno (più grande) a chi lavora nella cultura e ogni giorno cerca di mettere assieme le attività “dentro le mura” e “nelle piazze”, che sono due luoghi dell’anima e della pratica. Sono due luoghi in cui si va avanti solo organizzandosi, rispondendo alla famosa domanda “che fare?”.
Zerocalcare ha -in maniera chiara- sottolineato questo semplice concetto pratico, ha preso la sua faccia e il suo zainetto ed è andato dove le persone si erano organizzate per spingere il mondo un po’ più in là, per qualcosa di più grande di noi.

Queste cose più grandi di noi che alle volte, da soli, non sappiamo quali siano, ma la fortuna vuole che ci sia qualcuno che vede in maniera più lucida. Capita anche che quel qualcuno siamo noi. Non una leadership, ma la consapevolezza di avere accanto al proprio gomito qualcuno che ci integra, ci sostiene e in definitiva si fida. Un gesto che è sia figlio di un’enormità razionale, ma anche di uno slancio irragionevole, qualcosa di simile ad un gesto di fede.

Il mondo attorno e la mia storia personale mi hanno nutrito di rabbia per troppe ingiustizie e diseguaglianze viste e vissute. Il sostegno al popolo palestinese è la sineddoche costruita su larghe fondamenta di precariato, instabilità economica, emergenze abitative, lavoro povero quando non assenza stessa di lavoro.
Un quadro interpretativo, di questo ho avuto bisogno. Zerocalcare corrobora l’emersione della necessità di avere un quadro interpretativo che permetta di rispondere per sé in una direzione pubblica e collettiva.

E dunque evviva organizzarsi, evviva cercare e trovare l’organizzazione più prossima alle nostre esigenze, alle nostre vite e infine, come suggeriscono da GKN, convergere.

Niente di più e niente di meno che evitare la trincea nel proprio orto, nel proprio salone.